Comprendre l'Arte Povera et le Pop Art : deux réponses différentes à la modernité

Contexte et origines

Les années 1960 ont vu l'émergence de deux mouvements artistiques influents qui ont répondu au monde moderne de manières fondamentalement différentes. Le Pop Art a débuté en Grande-Bretagne au milieu des années 1950 avant d'atteindre son apogée à New York au début des années 1960, utilisant le langage visuel de la publicité, des bandes dessinées et des médias de masse. Quelques années plus tard, l' Arte Povera est apparu en Italie, centré dans des villes comme Turin, Rome et Gênes. Ce mouvement, nommé par le critique Germano Celant en 1967, s'est tourné vers des matériaux bruts et élémentaires, tels que la terre, le bois et les chiffons, pour résister à l'essor des marchandises de consommation.

Les collectionneurs et les étudiants comparent souvent ces deux mouvements car ils ont tous deux rejeté la peinture et la sculpture traditionnelles au profit d'objets quotidiens trouvés. Cependant, alors que le Pop Art embrassait l'imagerie brillante et reproductible d'une société de consommation, l'Arte Povera cherchait à revenir à la matière organique et non polie. Cet article examinera les caractéristiques spécifiques de chaque mouvement, explorant comment leurs choix divergents de sujets et de matérialité leur ont permis de questionner le statut de l'objet d'art selon des perspectives opposées.

Les matériaux bruts de l'Arte Povera

Sans titre 1984/87 - Jannis Kounellis

geste végétale - Giuseppe Penone

Disegnando il Terzo Paradiso - Michelangelo Pistoletto

L'Arte Povera, qui signifie « art pauvre », a émergé en Italie à la fin des années 1960. Le mouvement a été nommé par le critique génois Germano Celant, qui a organisé une exposition sous ce titre à Gênes en 1967 et a publié un manifeste dans Flash Art la même année. Alors que d'autres mouvements embrassaient les surfaces polies de la production industrielle, les artistes de l'Arte Povera se sont délibérément tournés vers des matériaux bruts, élémentaires et quotidiens pour résister à l'essor du monde des marchandises de consommation de masse.

Le mouvement était centré dans des villes italiennes telles que Turin, Rome et Gênes. Les artistes impliqués cherchaient à explorer l'énergie, le processus et la mémoire, utilisant souvent des matériaux difficiles à transformer en objets vendables. Ces matériaux comprenaient la terre, les pierres, le bois, les brindilles, le charbon, la cire, les chiffons, le verre, le plomb, le feu, l'eau et même des créatures vivantes. Cette approche a créé des œuvres qui étaient souvent temporaires et liées au lieu spécifique où elles étaient exposées.

Plusieurs artistes et œuvres clés définissent cette période :

• Michelangelo Pistoletto a créé Venus of the Rags (1967), qui place un moulage d'une déesse classique contre un tas de vêtements usagés, reliant l'histoire italienne aux déchets contemporains.
• Jannis Kounellis, un artiste d'origine grecque travaillant à Rome, a célèbrement attaché douze chevaux vivants dans la Galleria L'Attico en 1969. Son œuvre Untitled 1984/87 (1987) utilise le plâtre comme médium principal.
• Giuseppe Penone a exploré la relation entre le corps humain et la nature, comme dans son œuvre de 1968 où un moulage métallique de sa main saisit un arbre en pleine croissance.

Le langage commercial du Pop Art

Marilyn Diptych - Andy Warhol

Affiche de magasin - Claes Oldenburg

Élu président - James Rosenquist

Le Pop Art est apparu en Grande-Bretagne au milieu des années 1950 et a atteint sa phase la plus influente à New York au début des années 1960. Plutôt que de s'inspirer des sujets traditionnels de la peinture classique, ces artistes ont adopté le langage visuel de la culture commerciale de masse. Ils ont puisé leur imagerie dans les supermarchés, les bandes dessinées, les panneaux publicitaires et la photographie de célébrités, traitant ces sujets quotidiens avec le sérieux habituellement réservé à la peinture historique.

Le mouvement a souvent utilisé des techniques qui imitaient la production industrielle afin de refléter l'ère de la production de masse. Par exemple, Andy Warhol a utilisé l'impression par sérigraphie pour répéter des images, comme on peut le voir dans son œuvre Marilyn Diptych (1962), qui réfléchissait à la culture des célébrités et aux médias de masse. Son travail Campbell's Soup Cans (1962) accentuait davantage la nature répétitive des produits de consommation.

De même, James Rosenquist, qui avait été formé comme peintre publicitaire, utilisait un assemblage de fragments publicitaires semblable à un collage. Son œuvre de grande envergure F-111 (1964-65) juxtapose un bombardier avec des objets domestiques, tels que des spaghettis et une ampoule, pour créer un récit complexe de la vie américaine.

D'autres artistes ont exploré la présence physique des objets de consommation à travers des textures et des échelles variées :

• Claes Oldenburg a créé The Store (1961) dans le Lower East Side de New York, qui contenait des versions en plâtre peint de produits alimentaires et de vêtements. Il a également produit de grandes sculptures souples, telles que Floor Burger (1962).
• James Rosenquist a également produit des œuvres comme President elect (1960), qui combinait le design graphique et le réalisme pour explorer les thèmes de l'innocence et de la consommation.

L'attitude du Pop Art envers cette culture reste un sujet de débat, car le mouvement occupe une position ambiguë entre la célébration de la prospérité moderne et une critique ironique du monde des marchandises en pleine expansion.

Comparer la matérialité et le sens

Bien que le Pop Art et l'Arte Povera aient tous deux utilisé des objets trouvés pour remettre en question le statut traditionnel de l'objet d'art, ils l'ont fait selon des philosophies opposées. Le Pop Art s'est tourné vers l'imagerie reproductible de la culture de masse, employant souvent des techniques qui imitaient les processus industriels pour créer un fini froid et plat. Par exemple, Andy Warhol utilisait l'impression par sérigraphie dans son œuvre Marilyn Diptych (1962) pour répéter le visage de Marilyn Monroe, traitant l'icône de la célébrité comme un produit de l'usine. De même, Claes Oldenburg a créé The Store (1961) à New York, qui présentait des versions en plâtre peint de marchandises quotidiennes, brouillant la limite entre l'art et les produits de consommation.

En revanche, l'Arte Povera cherchait à résister au monde des marchandises produites en série en utilisant des matériaux bruts, élémentaires et souvent périssables. Plutôt que les surfaces polies du Pop Art, ces artistes se concentraient sur l'énergie, le processus et la mémoire. Ce mouvement, nommé par le critique Germano Celant en 1967, mettait l'accent sur la présence physique de la matière. Parmi les exemples de cette approche, on trouve :

• Michelangelo Pistoletto, Venus of the Rags (1967) : Cette œuvre juxtapose un moulage d'une déesse classique avec un tas de vêtements usagés, reliant le poids de l'histoire au déchet contemporain.
• Jannis Kounellis, Untitled 1984/87 (1987) : Une installation qui utilise le plâtre comme médium principal.
• Giuseppe Penone, gesto vegetale (non daté) : Une œuvre présentant un écosystème vivant de verdure et d'oiseaux, soulignant le dialogue entre le corps humain et la croissance naturelle.

En fin de compte, là où le Pop Art reflétait le supermarché et l'écran par la répétition et les logos reconnaissables, l'Arte Povera revenait au monde non poli et élémentaire de la terre, du bois et de la pierre.

Pour conclure

Pour distinguer ces deux mouvements dans un musée, un visiteur doit observer l'expérience sensorielle de la salle. Une œuvre de Pop Art présente souvent des couleurs vives et plates ainsi que des symboles reconnaissables de la culture de masse, tels que des logos ou des célébrités, imitant l'aspect d'une publicité imprimée ou d'un écran. À l'inverse, l' Arte Povera se reconnaît par l'utilisation de matières élémentaires et brutes. Au lieu de surfaces glacées, vous pourriez rencontrer l'odeur de la terre, la texture du bois brut ou des amas de chiffons et de pierres.

Malgré ces différences visuelles, les deux mouvements partagent des objectifs fondamentaux :

• Les deux mouvements se sont éloignés de la peinture et de la sculpture traditionnelles.
• Les deux ont utilisé des objets trouvés et quotidiens pour remettre en question le statut de l'objet d'art.

Tandis que le Pop Art reflète le langage brillant du consumérisme, l'Arte Povera revient à l'énergie brute du monde naturel. Nous vous invitons à explorer ces œuvres sur notre site web.