Künstler/in
Geboren in Teignmouth, Vereinigtes Königreich
William Strutt: Ein Kolonialen Künstlers Reise
Geboren: Teignmouth, Vereinigtes Königreich (1825)
Gestorben: 1915
William Strutt (1825-1915) war ein englischer Künstler, der für seine Darstellungen des kolonialen Lebens und historischer Ereignisse in Australien und Neuseeland bekannt wurde. Geboren in einer Familie mit künstlerischen Neigungen – sein Großvater, Joseph Strutt, war ein bekannter Autor und Künstler, und sein Vater, William Thomas Strutt, ein geübter Miniaturmaler – erhielt William eine frühe Ausbildung in Paris, wo er figurative und historische Malerei an der École des Beaux-Arts studierte.
Frühes Leben und Ausbildung
Strutts künstlerische Grundlage wurde während seiner Zeit in Frankreich gelegt. Er studierte unter Michel Martin Drölling und ließ sich von Meistern wie Raphael beeinflussen. Nach seiner Rückkehr nach England erlebte er eine schwierige persönliche Phase, die ihn dazu veranlasste, in Australien Ruhe und neue Inspiration zu suchen. Im Jahr 1850 wanderte er nach Melbourne aus, kam mit dem Schiff Culloden an und heiratete kurz darauf.
Australische Erfahrungen und künstlerische Entwicklung
Frühe Illustrationsarbeiten: Zunächst fand Strutt Beschäftigung als Illustrator für das kurzlebige Illustrated Australian Magazine. Die geringe Nachfrage nach Historienmalerei in Melbourne veranlasste ihn, seine Fähigkeiten anzupassen.
Wichtige Aufträge: Trotz dieser Herausforderung erhielt er Aufträge, darunter Entwürfe für Briefmarken und politische Karikaturen.
'Black Thursday': Ein entscheidender Moment in Strutts Karriere waren die verheerenden Buschbrände vom 'Black Thursday' des Jahres 1851. Seine Skizzen dieses Ereignisses bildeten die Grundlage für sein späteres Meisterwerk, Black Thursday, 6. Februar 1851 (1864), eine eindringliche Darstellung von Tieren und Menschen auf der Flucht vor den Flammen.
Goldfields-Periode: Strutt verbrachte achtzehn Monate in der Arbeit auf den Goldfeldern bei Ballarat, fand aber nur begrenzten Erfolg.
Victorian Society of Fine Arts: Er wurde zu einem aktiven Mitglied der Kulturszene Melbournes, trat als Gründungsmitglied dem Victorian Society of Fine Arts bei und nahm Porträtaufträge an.
Expeditionen und Neuseeland
Strutts künstlerischer Schwerpunkt verlagerte sich auf die Dokumentation bedeutender Ereignisse in der Kolonialgeschichte. Er studierte akribisch die Vorbereitungen für und die frühen Phasen der Expedition von Burke und Wills, wobei er zahlreiche Skizzen anfertigte. Die Verfolgung ihrer Reise und das Sammeln von Berichten von Überlebenden wie John King informierten seine Arbeit weiter.
Rückkehr nach England: Im Jahr 1862 kehrte Strutt mit seiner Familie nach England zurück, getrieben von religiösen Bedenken hinsichtlich der Erziehung seiner Kinder in einer Umgebung, die er als moralisch herausfordernd empfand.
Neuseeländische Skizzen: Von 1855 bis 1856 dokumentierte Strutt während seines Aufenthalts in New Plymouth, Neuseeland, den Ersten Taranaki-Krieg und schuf Landschaftsbilder, darunter Aussicht auf Mt Egmont, Taranaki, Neuseeland, aufgenommen von New Plymouth, mit Maoris, die Vieh der Siedler treiben (1859), ein Gemälde, das heute in Te Papa Tongarewa zu sehen ist.
Hauptwerke und Vermächtnis
Nach seiner Rückkehr nach England schuf Strutt bedeutende Ölgemälde auf der Grundlage seiner australischen und neuseeländischen Skizzen.
Bemerkenswerte Gemälde: Zu den wichtigsten Werken gehören Black Thursday, 6. Februar 1851 (1864), Bushrangers, Victoria, Australien, 1852, Robert O’Hara Burke (1861) und Jerusalem-Pilger (1872).
Historische Bedeutung: Strutts Kunst bietet eine wertvolle visuelle Aufzeichnung des kolonialen Lebens in Australien und Neuseeland, die wichtige Momente einfängt und Einblicke in die Herausforderungen und Konflikte der Ära gewährt. Seine Darstellungen von Ereignissen wie Black Thursday sind besonders bedeutsam für ihre historische Dokumentation und emotionale Wirkung.
Anerkennung: Obwohl seine Arbeit zu Lebzeiten nicht immer sofort anerkannt wurde, werden Strutts Beiträge zur australischen und neuseeländischen Kunstgeschichte in den letzten Jahrzehnten zunehmend geschätzt.
Museum
Ausgestellt in London, Vereinigtes Königreich
Ursprung und Geschichte der National Portrait Gallery
Die National Portrait Gallery wurde im Jahr 1856 ins Leben gerufen, konzipiert als ein grandioses Statement nationalen Stolzes. Sie genießt das Privileg, womöglich die erste nationale öffentliche Galerie der Welt zu sein, die sich ausschließlich der Porträtkunst verschrieben hat. Obwohl die Institution bereits in der Mitte des 19. Jahrhunderts gegründet wurde, fand die offizielle Eröffnung des Museums am 15. Januar 1859 statt. Diese frühe Ära markierte den Beginn eines langjährigen Bestrebens, die Ebenbilder jener Menschen zu bewahren, die die britische Geschichte maßgeblich geprägt haben.
Im Laufe der Zeit war die Institution bedeutenden Veränderungen unterzogen, um ihrer wachsenden Bedeutung im Vereinigten Königreich, in London, gerecht zu werden. Im Jahr 1896 zog die Galerie an ihren heutigen Standort am St Martin's Place, unweit des Trafalgar Square. Dieser Umzug ermöglichte es der Sammlung, ein dauerhaftes Zuhause im kulturellen Herzen der Stadt zu finden. Die Geschichte dieses Ortes ist untrennbar mit den sich wandelnden Bedürfnissen einer Sammlung verbunden, die danach strebt, die Gesichter einer Nation über die Jahrhunderte hinweg zu dokumentieren.
Das Ziel der National Portrait Gallery bleibt tief in der Erinnerung und dem Wissen über bedeutende Persönlichkeiten verwurzelt. Indem sie diese Porträts an einem Ort vereint, schafft die Institution ein physisches Zeugnis von Identität und Einfluss. Die Sammlung hat sich von einer anfänglichen, kleinen Ansammlung zu einer gewaltigen Vielfalt an Werken entwickelt, darunter:
Gemälde aus dem 16. Jahrhundert
Fotografische Studien
Skulpturen
Druckgrafiken
Das Gebäude und seine viktorianische Architektur
Die Architektur der National Portrait Gallery verkörpert den Ehrgeiz und das Selbstvertrauen des viktorianischen Zeitalters. Entworfen von E.M. Barry und im Jahr 1856 eröffnet, besitzt das Bauwerk eine majestätische Eleganz, die durch seine Fassade aus Portland-Stein definiert wird. Dieses als Grade I gelistete Gebäude bleibt eine bedeutende Präsenz in London und bewahrt seinen historischen Charakter durch sorgfältige Konservierung. Das Äußere spiegelt eine Ära immensen nationalen Stolzes wider und bietet eine solide, würdevolle Kulisse für die Gesichter, die in seinen Mauern gehütet werden.
Im Inneren erzeugt das ursprüngliche Layout einen ganz eigenen Rhythmus der Bewegung. Prachtvolle Hallen vermitteln ein Gefühl von monumentaler Größe, während intimere Galerien eine nähere Betrachtung der einzelnen Porträtierten ermöglichen. Diese Anordnung lädt zu einer stillen Kontemplation der ausgestellten Persönlichkeiten ein. Das räumliche Design begünstigt einen Fluss, der das Auge durch verschiedene Epochen der britischen Geschichte führt, wobei die Architektur selbst dazu genutzt wird, die Lebenswege der dargestellten Menschen einzurahmen.
Eine vielfältige Sammlung von Porträts
Die Sammlung umfasst über 4.000 Porträts, die die Geschichte des Vereinigten Königreichs nachzeichnen. Diese Werke decken ein breites Spektrum an Medien ab, darunter Malerei, Skulptur, Miniaturmalerei, Druckgrafik und Fotografie. Die Auswahl beinhaltet Darstellungen britischer Monarchen sowie bedeutender literarischer Persönlichkeiten und bietet die Möglichkeit, jene Gesichter zu betrachten, die die Identität einer Nation geformt haben. Jedes Stück entfaltet eine ganz eigene Präsenz – von der formalen Schwere eines königlichen Porträts bis hin zur intimen Detailtiefe einer Miniatur.
Die künstlerischen Herangehensweisen variieren in den Galerien erheblich. Frühe Werke stützen sich oft auf Symbolik und aufwendige Kostümierungen, um den sozialen Status zu kommunizieren. Mit dem Fortschreiten der Sammlung verschiebt sich der Fokus hin zur Erfassung psychologischer Tiefe und des Innenlebens des Subjekts. Diese Evolution spiegelt sich im Übergang von der traditionellen Ölmalerei hin zur Einbeziehung der Fotografie wider. Die Galerie begreift die Fotografie als ein mächtiges Medium und nutzt sie, um Ähnlichkeit und Persönlichkeit mit einer ganz eigenen Unmittelbarkeit einzufangen, die sich von dem Pinselstrich auf der Leinwand unterscheidet.
Henry VIII und Henry VII, 1537 - Hans Holbein der Ältere
Porträt von Elisabeth I., Königin von England, 1575 - Nicholas Hilliard
Mary Cassatt, 1884 - Edgar Degas
George Washington (Lansdowne-Porträt), 1796 - Gilbert Stuart
Meisterwerke der National Portrait Gallery
Die Präsenz von Hans Holbeins dem Jüngeren Henry VIII und Henry VII, gemalt um 1537, beherrscht den Raum mit einer schweren, historischen Erhabenheit. Ganz in der Nähe bietet das Porträt von Elizabeth I., Königin von England aus dem Jahr 1575 von Nicholas Hilliard eine andere Art von Autorität – eine, die durch die feinen Details des Tudor-Hofes definiert wird. Diese Werke fungieren als direkte Brücken in das 16. Jahrhundert und halten die Ebenbilder jener Monarchen fest, die die Identität der Nation selbst geformt haben.
Die Sammlung beherbergt zudem bedeutende Beispiele der Porträtkunst des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts. Gilbert Stuarts George Washington (Lansdowne Portrait, datiert auf etwa 1796, und seine Darstellung von Martha Dandridge Custis Washington aus der Zeit um 1825, sind Studien in der formalen Würde jener Ära. Diese Gemälde besitzen eine stille Kraft, die über die Jahrhunderte hinweg Bestand hat. Die Pinselführung offenbart dabei einen Fokus auf den Charakter und die subtilen Nuancen im Ausdruck der Dargestellten.
In den späteren Epochen treten die Werke von John Singer Sargent mit einer markanten psychologischen Tiefe hervor. Seine Darstellung von Henry James aus dem Jahr 1913 und das Porträt von The Right Honourable Joseph Chamberlain aus dem Jahr 1896 verdeutlichen den Wandel hin zur Erfassung des Innenlebens des Modells. Diese Gemälde halten nicht bloß ein Gesicht fest; sie halten eine Präsenz fest. Das Zusammenspiel von Licht und Schatten in diesen späteren Werken erzeugt eine Unmittelbarkeit, die für jeden, der vor ihnen steht, noch immer greifbar bleibt.
Jüngste Projekte und Renovierungen
Die jüngste Transformation der National Portrait Gallery, die im Juni 2023 abgeschlossen wurde, markiert einen bedeutenden Wandel in der Art und Weise, wie die Institution mit ihrer Umgebung interagiert. Diese Phase der Erneuerung folgte einer Strategie der Neuausrichtung, Restaurierung und Erneuerung, die darauf abzielt, das Publikum in das Herz des Galerieerlebnisses zu rücken. Durch das Entfernen interner Wände und die Verstärkung der Gebäudestruktur gelang es dem Projekt, den öffentlichen Raum erfolgreich um 18 % zu vergrößern. Das Ergebnis ist eine offenere Atmosphäre, die eine klarere Verbindung zwischen dem Besucher und der Sammlung ermöglicht.
Ein zentraler Fokus dieser architektonischen Eingriffe lag auf der Barrierefreiheit. Die Schaffung eines neuen, vollständig zugänglichen Eingangs an der Nordfassade hat die Art und Weise, wie das Gebäude auf die Stadt trifft, grundlegend verändert. Dieser Eingang, der durch drei vier Meter hohe Bronzetüren besticht, die mit Kunstwerken von Tracey Emin graviert sind, bietet einen würdevollen Ankunftsort, der die Galerie mit der Charing Cross Road und Soho verbindet. Solche Veränderungen haben spürbare Auswirkungen auf die Gemeinschaft gezeigt: Seit der Wiedereröffnung wurde ein Anstieg der Besucher mit Behinderungen um 300 % verzeichnet. Die renovierten Räumlichkeiten wirken einladender und bieten ein Gefühl der Offenheit, das im historischen Grundriss zuvor nicht vorhanden war.
