Michael Krebber: Ein stiller Blick auf die Dauerkraft der Malerei
Geboren in Köln, Deutschland, im Jahr 1954, ist Michael Krebber kein Name, der sich augenblicklich einem Kunstinteressierten erschließt. Doch innerhalb des Bereichs der zeitgenössischen Malerei – insbesondere ihrer konzeptioneller und kritischer Strömungen – steht er als eine ruhige, aber einflussreiche Figur da. Seine Arbeit explodiert nicht mit auffälligen Gesten oder kühnen Aussagen; stattdessen operiert sie durch eine subtile, fast zögerliche Auseinandersetzung mit dem Medium selbst, die den Betrachter dazu anregt, die Natur der Malerei und ihres Potenzials neu zu überdenken.
Krebbers künstlerischer Weg begann in der pulsierenden Kunstszene Westdeutschlands nach dem Krieg. Er studierte an der Kunstakademie Düsseldorf, einer Institution, die Tradition und gleichzeitig ein Nährboden für radikale Experimente verkörpert. Entscheidend waren seine frühen Jahre als Assistent von Martin Kippenberger, einem berüchtigten Künstler, der für seine zynische Kritik an der Kunstwelt bekannt war. Diese Verbindung erwies sich als prägend, indem sie Krebber mit einer Geistigkeit des Hinterfragens und einer Bereitschaft, etablierte Normen herauszufordern – eine Sensibilität, die später ein zentrales Element seiner eigenen Praxis werden sollte.
Krebbers Werk ist durch seine bewusste Sparsamkeit gekennzeichnet. Seine Leinwände sind oft von weiten, unbemalten Flächen Weiß oder Grau dominiert, die von zarten Pinselstrichen, scheinbar zufälligen Markierungen und gelegentlich vorsichtigen Farbaufträgen unterbrochen werden. Diese Gesten sollen kein visuell beeindruckendes Bild erzeugen; vielmehr laden sie zur Kontemplation über den Akt der Malerei selbst ein – ihre Geschichte, ihre Grenzen und ihre anhaltende Relevanz in einer zunehmend komplexen Welt. Er setzt häufig eine Strategie der Negation ein, die das *Nicht* da ist so wirkungsvoll darstellt wie das, was vorhanden ist, wodurch ein Gefühl des Fehlens entsteht, das den Betrachter dazu zwingt, sich aktiv mit dem Werk auseinanderzusetzen.
Die konzeptionelle Grundlage: Kunstgeschichte und die Rede über das Medium
Krebbers Gemälde sind nicht einfach nur minimalistische Übungen; sie sind tiefgründig verwurzelt in der Kunstgeschichte. Er bezieht häufig Bilder an, die kanonischer Natur sind – eine subtile Anspielung auf die Traditionen, die er gleichzeitig hinterfragt. Diese Auseinandersetzung dreht sich nicht um direkte Nachahmungen oder Hommagen, sondern um die strategische Verwendung historischer Bilder als Mittel zur Kritik und Kontextualisierung dieser Bilder im zeitgenössischen Diskurs. Er ist weniger an der Replikation von Meisterwerken interessiert als vielmehr daran, sie als Ausgangspunkt für seine eigenen Erkundungen zu nutzen.
Diese intellektuelle Herangehensweise wird durch Krebbers selbstbewusste Haltung gegenüber dem Medium der Malerei selbst unterstrichen. Er räumt ein – und nimmt oft an – die wahrgenommene Ermüdung der Malerei ein, das Gefühl, dass sie ihren Lauf beendet hat. Dennoch bleibt er seiner anhaltenden Bedeutung verpflichtet und sucht ständig nach neuen Wegen, um damit in Kontakt zu treten, indem er die Grenzen dessen herausfordert, was als möglich gilt. Wie er selbst beschrieb: „Malen, wie jede andere Tätigkeit, läuft wie eine Anwendung, die regelmäßig und ständig wechselt, von einer Person, die mit sich selbst kommuniziert, bis zu zwei oder mehr Personen. Wie die Gesellschaft hier die Programme laufen wild, jeder ist in einem anderen Programm, entweder aktiv oder passiv.“
Einflüsse und Vermächtnis
Michael Krebbers Einfluss reicht über seine eigene individuelle Produktion hinaus. Als Professor an der Städelschule in Frankfurt hat er eine neue Generation von Künstlern betreut, die mit ähnlichen Fragen zur Rolle der Malerei in der zeitgenössischen Kunst zu kämpfen haben. Sein Werk wird oft als Inspiration durch Künstler genannt, die traditionelle Vorstellungen von malerischer Geschicklichkeit ablehnen und sich konzeptionellen Ansätzen verschreiben. Seine Arbeit wird häufig von Künstlern wie Cosima von Bonin, Jutta Koether und Josef Strau zitiert.
Krebbers Vermächtnis liegt nicht in großen Ankündigungen oder revolutionären Gesten, sondern in seiner anhaltenden Hinterfragung – einer stillen Analyse der dauerhaften Kraft der Malerei und ihrer anhaltenden Relevanz in einer Welt, die von Bildern durchdrungen ist. Er erinnert uns daran, dass der Akt des Malens selbst tiefgründig bedeutsam sein kann, auch wenn er absichtlich bescheiden oder anfällig für einfache Interpretationen erscheint.
Ausstellungen und Anerkennung
Krebbers Werk hat in Europa und Nordamerika beträchtliche Aufmerksamkeit erhalten. Er hat Einzelausstellungen in renommierten Häusern wie der Greene Naftali Gallery in New York, der Fondation Antonio Dalle Nogare in Bozen und dem Museum Brandhorst in München präsentiert. Seine Gemälde sind auch Bestandteil wichtiger Sammlungen, was eine wachsende Anerkennung seiner Beiträge zur zeitgenössischen Kunst widerspiegelt. Bedeutende Gruppenausstellungen umfassen “Parallax View: New York-Köln” im MoMA PS1 1993, die seinen Umgang mit breiteren künstlerischen Strömungen veranschaulicht.
Seine Ausstellungen heben stets den Spannungsbogen zwischen Produktion und Verweigerung hervor – ein zentrales Element seiner Praxis. Er schafft nicht einfach nur Gemälde; er befürwortet aktiv eine einfache Kategorisierung oder eine definitive Interpretation, sondern lädt die Betrachter dazu ein, an einem Dialog über die Bedeutung des Werks teilzunehmen.
