Richard Mayhew: Eine Landschaft aus Geist und Seele
Geboren 1924 in Amityville, New York, war das Leben von Richard Mayhew untrennbar mit den Landschaften seines Erbes verbunden – einer Verschmelzung von indianischem (speziell Montaukett und Shinneck) und afroamerikanischem Blut. Diese duale Identität prägte seine künstlerische Vision zutiefst und schuf ein Werk, das weit über die bloße Darstellung hinausgeht, um stattdessen in das spirituelle Wesen der natürlichen Welt einzutauchen. Von klein auf wurde Mayhews Verbindung zur Erde durch seine Großmutter, Sarah Steele Mayhew, genährt, die ihm das „Naturwissen, die Bräuche und die Geisteshaltung“ der amerikanischen Ureinwohner vermittelte – ein grundlegendes Element für das Verständnis seines späteren künstlerischen Ansatzes.
Mayhews prägende Jahre waren von einer intensiven Auseinandersetzung mit der Kunst geprägt. Bereits als Teenager begann er, mit Farben zu experimentieren, inspiriert von Künstlern, die die Küstenlandschaften von Long Island einfingen. Dieses frühe Eintauchen führte ihn zum Studium an der Brooklyn Museum Art School und dem Pratt Institute, wo er seine technischen Fähigkeiten verfeinerte und gleichzeitig den Einfluss von Meistern wie George Inness und Edwin Dickinson in sich aufnahm. Entscheidend war auch seine Zeit in New York City, die ihn mit der aufstrebenden Bewegung des Abstrakten Expressionismus konfrontierte – eine Epoche, welche die Landschaft der amerikanischen Kunst grundlegend veränderte.
Frühe Karriere & Die Spiral-Gruppe
Nach seinem Dienst bei den United States Marines während des Zweiten Weltkriegs – eine Erfahrung, die er später als persönlich unerfüllend, aber inspirierend für sein Interesse an interdisziplinären Studien bezeichnete – begann Mayhew eine Karriere als medizinischer Illustrator und verfolgte gleichzeitig seine künstlerischen Ambitionen. Um seinen Lebensunterhalt zu sichern, arbeitete er als Porzellanmaler, während er seinen ganz eigenen, unverwechselbaren Stil entwickelte. Seine erste Einzelausstellung im Jahr 1955 erntete großes kritisches Lob; die Rezensenten priesen seinen evokativen Einsatz von Licht, Farbe und Form und bemerkten eine nostalgische Qualität, die an die amerikanische Landschaftsmalerei erinnerte.
Ein Wendepunkt trat 1963 ein, als Mayhew der „Spiral“ beitrat, einem Kollektiv schwarzer Künstler, das sich der Erforschung der Schnittstelle von Kunst, Rasse und sozialer Gerechtigkeit widmete. Diese Gruppe, der auch Romare Bearden, Charles Alston und Norman Lewis angehörten, bot eine lebenswichtige Plattform für Dialog und künstlerischen Austausch auf dem Höhepunkt der Bürgerrechtsbewegung. Obwohl sich seine Arbeit innerhalb von Spiral von der einiger Mitglieder unterschied – da er sich eher auf spirituelle Landschaften als auf direkte Narrative konzentrierte –, festigte sie sein Engagement, die Kunst als Medium des kulturellen Ausdrucks zu nutzen.
Ein unverwechselbarer Stil: Farbe & Geist
Mayhews Gemälde sind sofort an ihren lebendigen, gesättigten Farben und abstrakten Formen erkennbar. Er vermied bewusst die wörtliche Darstellung von Landschaften und gab stattdessen dem Gefühl eines Ortes Vorrang – seinem Geist, seiner Energie und seiner Verbindung zu etwas, das größer ist als er selbst. Beeinflusst von seinem indianischen Erbe und der Begegnung mit dem europäischen Impressionismus, wandte er Techniken wie das Schichten von Farben und lockere Pinselstriche an, um eine Atmosphäre von traumartiger Intensität zu erschaffen. Wie Sidney Tillum im Magazin Arts beobachtete: „Mayhews Landschaften sind in ihrer Nostalgie ausgewogen; sie sind gemalt mit... einem Sinn für eine Epoche, im amerikanischen Stil, ohne dass man sie genau verorten könnte.“
Sein Prozess beinhaltete eine tiefe meditative Auseinandersetzung mit dem Sujet. Er arbeitete oft im Freien, beobachtete direkt und reagierte auf das Licht und die Atmosphäre der Landschaft. Diese unmittelbare Verbindung beeinflusste seine Farbwahl und seine kompositorischen Entscheidungen, was zu Gemälden führte, die mit einem tiefen Gefühl von Ruhe und spirituellem Bewusstsein resonieren.
Vermächtnis & Anerkennung
Richard Mayhews Einfluss auf die amerikanische Kunst reicht weit über seine individuellen Errungenschaften hinaus. Über vier Jahrzehnte lang wirkte er als einflussreicher Pädagoge und prägte die künstlerische Entwicklung ganzer Generationen an Institutionen wie der Pennsylvania State University, der Brooklyn Museum Art School und dem Smith College. Seine Werke befinden sich in zahlreichen renommierten Sammlungen, darunter im Whitney Museum of American Art, dem Metropolitan Museum of Art und dem Smithsonian American Art Museum.
Im Jahr 2009 zeigte eine Retrospektive mit dem Titel „Richard Mayhew: An American Abstractionist“ die Breite und Tiefe seines Schaffens. Jüngst präsentierte Venus Over Manhattan im Jahr 2023 die Ausstellung „Richard Mayhew: Natural Order“, welche seine fortwährende Entwicklung als Künstler hervorhob. Sein Vermächtnis lebt nicht nur in seinen Gemälden weiter, sondern auch in seinem Bestreben, ein tieferes Verständnis für die Fähigkeit der Kunst zu fördern, uns mit der natürlichen Welt und unserem eigenen inneren Selbst zu verbinden. Richard Mayhew verstarb im September 2024 und hinterließ ein Werk, das Betrachter bis heute inspiriert und bewegt.
