Das Goldzimmer: Welcher Rahmen passt wirklich zu einem impressionistischen Gemälde und warum Degas deswegen mit seinen eigenen Händlern stritt

Jeder geht davon aus, dass impressionistische Gemälde in dicke, vergoldete Rahmen gehören – die Art, die Ihre Großmutter als „ordentlich“ bezeichnen würde. Wenn man lange genug in diesem Raum steht, wird man feststellen, dass die Hälfte der Künstler, die diese Bilder malten, das Gold als ein Kostüm empfand, das ihnen von Menschen aufgezwungen wurde, die noch nie einen Pinsel in der Hand gehalten hatten.

Noch bevor das Licht eingeschaltet wird, liegt ein Geruch in der Luft – alter Firnis, Bodenwachs und darunter etwas Mineralisches, wie eine feuchte Münze, die zu lange in der Hand gehalten wurde. Niemand sonst ist bisher da. Jetzt gefällt mir der Raum am besten, halb dunkel; das Gold an der fernen Wand vollführt etwas Stilles und Privates, das es in dem Moment einstellt, in dem die Menge eintrifft, um stattdessen für sie zu glänzen.

Die gängige Lehrmeinung: Gold bedeutet Ernsthaftigkeit

Der Tabernakelrahmen wird zuerst errichtet, immer, zumindest chronologisch gesehen – eine kleine Architektur um eine Madonna herum, Säulen auf beiden Seiten, als würde sie aus einem Türrahmen heraustreten. Jemand hat das als Gebäude entworfen, bevor er es als Rahmen baute. Dann die Kassette, flacher, ein Fries, der wie ein Gürtel umläuft und das Gesicht eines Kaufmanns in sicherem Abstand vor der Wand hält – so, wie der Kaufmann im Leben wahrscheinlich alle anderen auf Distanz hielt. Ein Zimmer weiter, unangekündigt, senken die Niederländer die gesamte Temperatur – schwarzes, gewelltes, ebonisiertes Kiefernholz als Ersatz für Ebenholz, das sich niemand leisten konnte, und Rembrandts Farbe wirkt dadurch kälter und besser. Zurückhaltung als Demonstration von Stärke. Die Niederländer haben diese spezielle Heuchelei erfunden und sich nie dafür entschuldigt.

Dann bekommen die Franzosen ihre Finger davon, und es ist vorbei. Ludwig XIII. lässt Blattwerk schnitzen, ohne nennenswerte Ecken, wie Efeu, der noch nicht entschieden hat, wo er aufhören soll. Ludwig XIV. will nun die Ecken; er will, dass jeder genau weiß, wo der Rahmen beginnt, sich zu behaupten. Bis zur Zeit Ludwigs XV. ist der Gips an einigen Stellen glatt durchbrochen, das Blattgold fängt das Licht von beiden Seiten eines Lochs ein, das strukturell eigentlich nicht da sein dürfte – und es hält trotzdem, es hält seit dreihundert Jahren. Sagen Sie, was Sie wollen über Exzess. Es steht immer noch, während der Großteil dessen, was es ersetzte, längst verschwunden ist.

Der Rahmen, der kein Meisterwerk hält

Am längsten bleibe ich vor einem Rahmen stehen, der überhaupt keinen Alten Meister enthält – eine Reproduktion, eine anständige, in einer Zierleiste, die man im Fachhandel als vergoldetes Antik-Gold bezeichnet; jene Art mit einer weichen Patina auf den Erhebungen, sodass sie gebraucht und nicht fabrikmäßig wirkt. Sieben Zentimeter breit. Ich lege meinen Daumen auf die Kante, an der sich das Blattmuster wiederholt, und spüre, wo der Pinsel des Vergolders gezögert haben muss, denn das Gold sitzt dort einen halben Ton dunkler – ein Zögern, das man nur mit dem Daumen, nicht mit dem Auge findet. Die Ecken sind auf Gehrung geschnitten, nicht aus einem Guss geschnitzt – man kann die Naht finden, wenn man sie schräg betrachtet, eine hauchdünne Linie, an der zwei Leisten vereinbaren, ein Rechteck zu bilden. Unter dem Gold liegt ein roter Bolus, und dort, wo die Deckschicht an einer Kante abgenutzt ist, schimmert das Rot durch wie etwas unter einem Fingernagel. Er fängt die Museumsstrahler absichtlich ungleichmäßig ein – diese Unregelmäßigkeit ist der eigentliche Zweck eines verwitterten Finishs; er ist darauf ausgelegt, nach hundert Jahren Staub und Daumenabdrücken auszusehen, statt nach hundert Arbeitsstunden an einem Dienstag eines Vergolders.

Der Schlüssel, der den ganzen Raum öffnet

Irgendwo im Gebäude knarrt eine Tür, das frühe Personal, ein Wagenrad, das Öl braucht. Ungefragt muss ich an meine eigenen Hände mit neunzehn denken, Gesso unter den Nägeln, das eine Woche lang nicht abging, ein Tutor, der mir sagte, ich solle mit dem Schleifen aufhören, dass die Imperfektion das Finish sei und kein Makel – und ich glaubte ihr erst Jahre später, als ich vor einem Rahmen genau wie diesem stand und zum ersten Mal verstand, dass ein guter Vergoldermeister den Großteil seines Könnens darauf verwendet, so zu tun, als wäre er ein schlechter Handwerker aus einem vergangenen Jahrhundert.

Degas wusste das in- und auswendig. Bis 1877 stellte er in weißen Rahmen aus, schlicht, kanneliert, überhaupt nicht vergoldet – seine eigene Kreation, entstanden, weil die Beharrlichkeit des Salons, dass kein Gemälde ohne Gold hängen dürfe, sich weniger wie ein Standard und mehr wie ein Kostüm anfühlte, das jeder tragen musste, ungeachtet dessen, ob es zum Werk passte. Sein eigenes Selbstbildnis mit weißem Kragen ist ein guter Wegweiser für die Instinkte des Mannes: Entferne alles Dekorative, das seinen Platz nicht verdient hat. Er schickte einmal Gemälde in diesen weißen Rahmen nach Amerika, und sie kamen ohne seine Erlaubnis neu vergoldet zurück, weil jemand unterwegs beschlossen hatte, dass man ein Gemälde in Weiß nicht ernst nehmen könne. Berichten zufolge war er außer sich vor Wut. Ich verstehe diese Wut. Es ist die Wucht, die man empfindet, wenn man sieht, wie jemand Ihren Satz korrigiert, bis er wieder zu einer Klischee verkommt.

Der Rahmen vor mir ist nicht weiß. Er hat dieses verwitterte Gold, die Kompromisslösung, jene, die zugibt, dass der Markt mit dem Metall wahrscheinlich recht und mit dem Glanz falsch lag. Er passt zu dem, was er hält.

Draußen hat es angefangen zu regnen, die Art, die sich nicht ankündigt, sondern einfach auf dem Oberlicht eintrifft und die Akustik des Raumes verändert, noch bevor man bemerkt hat, dass das Licht grau geworden ist. Ich verlasse den Raum mit den schwarzen niederländischen Rahmen, gehe vorbei an dem durchbrochenen Rokoko-Gold, vorbei an dem Tabernakel, der an der Tür steht, als würde er immer noch etwas bewachen, und das Letzte, was ich vor dem Korridor sehe, ist eine Eckverbindung, goldfarben, mattiert genau dort, wo über hundert Jahre lang der Daumen von irgendjemandem darauf geruht hat.

Drei Dinge, die mich fragen, wenn sie in diesem Raum stehen

Sollte ich meine impressionistische Reproduktion in Gold einrahmen?

Ja, aber das Gold des Marktes und das Gold der Künstler sind zwei verschiedene Argumente, und es steht Ihnen frei, dies zu wissen, bevor Sie sich entscheiden. Was als „impressionistische Rahmung“ verkauft wird, ist eigentlich ein Revival des 18. Jahrhunderts, das die Maler nicht erfunden haben und das die Hälfte von ihnen ablehnte – die Händler von Monet wollten das Gold des Salons, weil der Salon es verlangte, Punkt, kein Bild ohne Rahmen. Degas und Pissarro reagierten darauf, indem sie in schlichtem Weiß ausstellten, und bis 1879 in Rahmen, deren Farben mit der Leinwand kontrastierten – Grün gegen einen roten Sonnenuntergang, Gelb gegen Violett. Beide Positionen sind vertretbar. Was nicht vertretbar ist, ist helles, neues, unverwittertes Gold – es bekämpft die Weichheit der Farbe, anstatt sie zu beherbergen.

Welcher Rahmen passt zu einer Renaissance-Tafel?

Die Cassetta, wenn Sie die ehrliche historische Antwort wollen – flacher Fries, passendes inneres und äußeres Profil, Gold oder Gold über einem dunklen Grund, kein Passepartout, kein Glas, im Allgemeinen breiter, als man zuerst vermuten würde. Sie wurde aus gutem Grund zum Standard für Porträts und weltliche Themen in ganz Italien: Sie hält ein Gesicht auf einer formalen Distanz, ohne mit ihm zu konkurrieren. Alles, was schmaler ist, wirkt wie eine Entschuldigung für eine Epoche, die es so nicht gab.

Gold oder Silber?

Fragen Sie das Gemälde, nicht die Wand. Eine warme Palette – Rot, Ocker, Erdtöne, kerzenbeleuchtete Innenräume – verlangt nach Gold, Bronze, Mahagoni. Eine kühle Palette – Blau, Grau, silbernes Licht, alles, was in der Nähe von Wasser oder unter nordischen Himmel gemalt wurde – verlangt nach Silber oder einem matten, kühlen Holz. Es ist eine kleine Regel, und sie korrigiert die meisten schlechten Rahmungsentscheidungen, die ich beim Durchschreiten von Räumen wie diesem sehe, zuverlässiger als jede Menge Geschmack.

Die Konvention, Raum für Raum

• Tabernakel (1300-1450). Architektonisch, Säulen, Giebel — das breiteste, skulpturalste Profil.
• Cassetta (145*5*-1600). Flacher Fries zwischen passenden inneren/äußeren Zierleisten — wurde zum dominierenden italienischen Porträtrahmen.
• Niederländische, ebonisierte Wellenform (1600-1680). Schwarz, wellenförmig profiliert, bewusst zurückhaltend — der Geschmack des Hollands von Rembrandt und Vermeer, im Gegensatz zum Gold Frankreichs und Italiens.
• Ludwig XIII. (1610-1643). Durchgehend geschnitztes Blattmuster, keine Betonung der Ecken.
• Ludwig XIV. (1643-1715). Symmetrische C-Voluten und Bandelwerk, Einführung von Eckkartuschen.
• Ludwig XV. / Rokoko (1720-1760). Asymmetrisch, durchbrochene Gipschnitzerei — der am aufwendigsten verzierte französische Rahmen.
• Klassizismus / Empire (1760-1830). Konkave Profilierung, Palmetten und Anthemien, vollvergoldete Oberfläche, in Massenproduktion für ein aufstrebendes Bürgertum.
• Impressionismus (1874-1900). Marktkonvention: Goldene Revivals des 18. Jahrhunderts, gesucht von Händlern unter dem Druck des Salons. Künstlerische Praxis: weiße Rahmen ab 1877 (Degas, Pissarro), farbige Rahmen ab 1879-80, gewählt im Kontrast zur Palette der Leinwand.
• Amerikanisches Arts & Crafts (1890-1920). Handgeschnitzte, handvergoldete, signierte Rahmen — Newcomb-Macklin, Carrig-Rohane, individuelle Entwürfe von Stanford White für jedes einzelne Gemälde.
• Jugendstil / Wiener Secession (1890-1910). Der Rahmen als Teil des Gesamtkunstwerks — der Rahmen von Klimts Pallas Athene, geschaffen von seinem Bruder Georg, nennt die Göttin entlang der oberen Leiste.

Was es tatsächlich kostet

Preise auf Most-Famous-Paintings.com, inklusive Versand. Beachten Sie, was der Vergleich tatsächlich zeigt: IKEA und Framebridge sind ehrlich, kompetent und strukturell nicht in der Lage, Ihnen ein Cassetta- oder Louis-XV-Profil zu verkaufen, da dies nicht das Jahrhundert ist, für das sie produzieren. Wenn das Gemälde aus der Renaissance oder dem Barock stammt und der Rahmen nicht dazu passt, wird die Unstimmigkeit jedes Mal lauter wirken als die Farbe, ganz egal, wie gut der Druck ist.

Das Urteil

Passen Sie das Metall an die Temperatur der Farbe und das Alter der Leiste an das Alter des Bildes an. Das ist das gesamte Urteil, einmal abgegeben, ohne Revision.

Kehren Sie zu dieser Eckverbindung zurück, Gold, mattiert genau dort, wo ein Jahrhundert lang der Daumen von irgendjemandem darauf ruhte. Niemand hat diesen Verschleiß absichtlich konstruiert. Er ist einfach passiert, auf ehrliche Weise, über ein Jahrhundert hinweg, in dem Menschen genau dort standen, wo Sie jetzt stehen.

Wer die weißen Rahmen von Degas vergoldet hat, ohne ihn zu fragen, arbeitet im Geiste immer noch im Einzelhandel. Werden Sie nicht deren nächster Kunde.

Quellen

• Metropolitan Museum, „Italienische Renaissance-Rahmen“
• Paul Mitchell Ltd, „Die Cassetta“
• The Frame Blog — Degas-Rahmen, Pissarro-Tag, impressionistische antike Rahmen
• Ripple Molding, „Ebony, Light, and Restraint“
• Prices4Antiques, „Cornering the Market: Newcomb-Macklin Frames“
• Artnet News über Klimts Vergoldung
• Gold Leaf Studios, „Das Zeitalter des Louis“

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