Kees Salentijn

Die Akademie und das Licht des Mittelmeers

Das Atelier an der Rijksacademie voor Beeldende Kunsten in Amsterdam bildet das erste strenge Fundament für Kees Salentijn. Unter der Anleitung von O.B. Kat liegt der Fokus zunächst auf der Disziplin der freien Malerei. Diese formale Ausbildung weicht jedoch allmählich einer instinktiveren, wandernden Bildung. Die stillen Hallen des Prado in Madrid bieten eine ganz andere Art des Lernens, in denen das Gewicht der spanischen Geschichte in seine Vision einsinkt. Diese Studienphase beschränkt sich nicht nur auf Museen; sie erstreckt sich auf die gelebte Erfahrung einer Berberfamilie in Marokko, wo die Texturen eines völlig anderen Lebens beginnen, seine Wahrnehmung zu durchdringen.

In den 1980er Jahren verschiebt sich die Geografie seines Schaffens entschlossen in Richtung Spanien. Die Landschaft ist nicht mehr nur ein Sujet, sondern eine Urgewalt. Der Tod des Matadors Paguiri wirkt dabei als plötzlicher, scharfer Katalysator. Er zieht ihn in das Ritual des Stierkampfes – ein Thema, das ein bedeutendes Kapitel seines Schaffens prägt. Im Jahr 1985 manifestiert sich diese Beschäftigung in der Amsterdamer Ausstellung Les folies d’Espagne. Der Stierkampf wird dabei zu mehr als einer bloßen kulturellen Beobachtung; er transformiert sich in eine Metapher für den Kampf, der dem Akt des Malens selbst innewohnt.

Die Evolution von Form und Raum

Sein kreativer Prozess durchläuft eine Metamorphose, während er zwischen den urbanen Zentren von Venlo und Amsterdam pendelt. Die späten 1980er Jahre führen ihn zu den Ausgrabungen von Ampurias, wo die Überreste griechischer und römischer Siedlungen eine neue Ebene der Inspiration bieten. Sein Werk beginnt, die Kluft zwischen der spontanen, unbewussten Energie der Cobra-Bewegung und der strukturierten Intensität der spanischen Kultur zu überbrücken. Diese Synthese erschafft eine visuelle Sprache, die zugleich roh und tief in der historischen Erinnerung verwurzelt ist.

Die frühen 1990er Jahre markieren eine Phase rasanter, fast frenetischer Produktion. Aus seinem Atelier in Amsterdam heraus beginnt die Unterscheidung zwischen den verschiedenen Medien zu verschwimmen. Sein Schaffen wird zu einem kontinuierlichen Strom des Ausdrucks, in dem folgende Elemente miteinander verschmelzen:

• Symmetrie und Collage
• Spontane Zeichnung
• Schichtmalerei

Die Sprache der Plaza und der Sonne

Die Werke im Museum van Bommel van Dam in Venlo spiegeln eine tiefe Beschäftigung mit dem Licht und dem öffentlichen Raum wider. Titel wie Plaza en la tarde und Puesta del sol deuten auf eine Faszination für die spezifische, flüchtige Qualität der Nachmittagssonne hin. Seine Kompositionen ringen oft mit der Spannung zwischen der bebauten Umgebung eines Pueblo Andaluz und der Weite der Playa Catalunya. Der Pinselstrich trägt das Gewicht seiner Reisen in sich und fängt das Wesen eines Ortes durch das Prisma schneller, entschlossener Bewegung ein.

In seinen späteren Jahren bewegt sich das Werk oft in Richtung des Abstrakten oder Semi-Abstrakten, häufig unter Titeln wie Zonder Titel geführt. Diese Stücke stellen den Höhepunkt seiner Entwicklung dar – von den strukturierten Lektionen der Rijksacademie hin zu einem Zustand reiner, ungehemmter Schöpfung. Die Sujets – ob Strand, Dorf oder Stierkampfarena – werden durch ein ganzes Leben der Bewegung zwischen dem niederländischen Norden und dem mediterranen Süden gefiltert.