Pierre Girieud

Die stille Beobachtung der Form

Pierre Paul Joseph Girieud führte ein Leben, das vom Licht des Pariser Lebens und der Stille der französischen Landschaft geprägt war. Geboren am 17. Juni 1876 in Paris, widmete er seine Kunstfertigkeit den Texturen von Öl, Aquarell und Tempera. Er durchschritt die Jahrzehnte des frühen zwanzigsten Jahrhunderts und hinterließ ein Werk, das die Schwere einer sitzenden Figur oder den spezifischen Farbton einer Iris vor einem roten Hintergrund meisterhaft einfängt. Sein Blick richtete sich oft auf die menschliche Gestalt, sei es in einem formellen Porträt wie Emilie Charmy oder in den eher anonymen Studien nackter Figuren, die teils auf Holz und teils auf Karton festgehalten wurden.

In seinem Herangehen an das Motiv liegt eine ganz besondere Ruhe. Er studierte, wie das Licht über eine Landschaft in Sienne fällt oder wie eine Vase mit Anemonen in einem stillen Raum ruht. Sein Werk kennt keine Eile. In Werken wie Les Baigneuses liegt der Fokus auf der physischen Präsenz des Körpers – eine Studie von Gewicht und Haltung, die eher beobachtet als inszeniert wirkt. Von 1889 bis zu seinem Tod in Paris am 26. Dezember 1948 dokumentierte er die Welt durch die Linse einer sorgfältigen, beständigen Aufmerksamkeit.

Landschaften und Licht

Die Geografie seines Schaffens wandelt sich oft zwischen den strukturierten Straßen Italiens und den sanfteren, sonnenverwöhnten Winkeln Frankreichs. In den Provinzen fand er unzählige Motive, von den Hügeln von Buis-les Baronnies bis hin zu den Schatten der Tinée. Seine Landschaften sind keine bloßen Kulissen; sie sind die primären Gegenstände seiner Untersuchung. Er fing das Wesen von Orten wie Cassis und Lourmarin ein, wobei er sich auf die Architektur der Bastiden und die ganz eigene Atmosphäre eines Morgens in Riez konzentrierte.

Seine Technik variierte stets mit dem Medium, das er für den jeweiligen Moment wählte. Er arbeitete mit:

• Öl auf Leinwand und Holz für seine größeren, substanzielleren Kompositionen.
• Aquarell für zarte, kleinere Studien.
• Kreide und Tempera für Werke wie Lesbos, bei denen die Textur der Oberfläche selbst Teil des Bildes wird.

In seinen späteren Jahren blieben die Sujets beständig, auch wenn die Zeit verging. Ob er nun einen Blumenstrauß in einem Keramikkrug oder eine einsame Figur in einer Landschaft malte, die Intention blieb dieselbe. Er suchte danach, das spezifische Zusammenspiel von Licht und Materie festzuhalten – eine Praxis, die dazu führte, dass seine Werke in bedeutende Sammlungen wie das Musée de Grenoble und das Musée Cantini gelangten.