Artista: Ben Nicholson Om
Tamaño: 800 x 545 cm
Museo: British Council (London, United Kingdom)
Técnica: Tallado
Es, podría decirse, simplemente una forma lavatoria, un limpio antiséptico arte baño que extrae de sus funciones el salpicadero y la cuenca lavatoria y los pone durmiendo y soñando juntos en un mundo cuyos objetos están prohibidos tener asociaciones. Gordon Porteus, 1935 Las palabras del crítico Gordon Porteus, escribiendo en New English Weekly en 1935, resumen con elegantes alcantarillas de alcantarillado algo de la batalla entre las nuevas formas de Arte Moderno que percolaban a través del Canal y su recepción en Gran Bretaña. Para Porteus, Nicholson se dirigía hacia el ‘abismo del absoluto’ y una perspectiva desinfectada de traza humana. Nicholson fue un prominente miembro de Unit One, un grupo de pintores, escultores y arquitectos encabezados inicialmente por Paul Nash. Nash discutió que había dos corrientes de pensamiento para el artista contemporáneo: el ‘pursuit of form’ y el ‘pursuit of the soul’. Esta delineación capta algo de la brecha que existía entre artistas como Nicholson que buscaban el ‘Constructivo’ y los de una persuasión surrealista. Es posible ver esta división en términos de una oposición Apolonia y Dionisiana ver algo dentro de la órbita de Hampstead, donde muchos de estos artistas vivían. Otra preocupación contemporánea que destacan las palabras de Porteus es la de las posibilidades de salud y nutrición social dentro de la nueva arquitectura moderna. Alrededor de este tiempo, muchos de los principales pioneros de la arquitectura moderna, incluyendo Erich Mendelsohn, Berthold Lubetkin y más tarde Walter Gropius, venían a Gran Bretaña, buscando refugio de desarrollos totalitarios en el extranjero. Sus edificios, incluido el Centro de Salud Finsbury de Lubetkin (1938), trataron de promover las cualidades sociales nutritivas de los espacios blancos limpios y un montón de luz natural y aire, en un momento en que la vida urbana para gran parte de la población consistía en privaciones basadas en los barrios marginales. Los artistas Constructivos buscaron crear formas que fueron impregnadas con el mismo espíritu de pureza utópica a través de la abstracción. En esta luz, los ‘Relieves Blancos’ (todos producidos entre 1934 y 1937) eran el cenit de Nicholson. Representaron un traslado de lienzo a bordo, y de sujeto a objeto, donde el objeto se convierte en la encarnación de una idea de perfección. Cada uno es una tabula rasa, un microcosmos del infinito, que "debe ser visto como algo como un mundo nuevo", como lo dijo Paul Nash. El blanco tiene una pureza y una dimensión metafísica, más allá del lugar y la temporalidad, un sentido del vacío embarazada que debe una deuda a Malevich. En un nivel, este gesto podría parecer fuera de contacto con las realidades que repercutían en los acontecimientos mundiales, dada la depresión económica, el rearme nacional y el ascenso del fascismo en Europa. Y sin embargo es posible ver estas obras como iconos de esperanza y claridad: momentos de una cohesión vislumbrada, herméticamente sellada dentro de su marco, en medio de la confusión general de la era. Como lo dijo el propio Nicholson, “Como lo veo, la pintura y la experiencia religiosa son lo mismo, y lo que todos estamos buscando es la comprensión y realización de la infinidad – un ideal que está completo, sin principio, sin fin y por lo tanto dando a todas las cosas durante todo el tiempo.” © Richard Parry 20091 Porteus citado en Jeremy Lewison (ed.), Ben Nicholson: Los Años del Experimento 1919-39, exh. gato. (Cambridge: Kettle’s Yard Gallery, 1983), 28.2 Ibíd., 33.3 Nash citado en Lewison (ed.), 24.4 Ibid., 33.5 Nicholson citado en Lewison (ed.), 33
Artista |
|
|---|---|
Descargar |
