Artista: Carlo Carrà
Tamaño: 110 x 80 cm
Museo: Fondazione Cariplo (Milan, Italy)
Técnica: Aceite Sobre Lienzo
Fechada 1934, la pintura se incluyó en la exposición en diciembre del año siguiente en la Galleria del Milione de Milán, junto con un núcleo sustancial de más de cuarenta obras que resaltaron puntualmente el camino artístico del pintor desde sus comienzos futuristas (Mujer en el Balcón (Concurrencia), 1912), a través de la temporada metafísica (Mannequins, 1917), hasta la investigación innovadora realizada desde los años 2032 (S). En estrechas relaciones con los experimentos más recientes realizados dentro de la esfera de la pintura mural, en cambio, este vasto lienzo con una estructura monumental y material pictórico magro, que apareció a los críticos de la época, como un intento que parece llevar pinturas al óleo a las expresiones grandiosas y los contrastes luminosos que son específicos al fresco, y que se sitúa a corta distancia de la conclusión de la decoración del V Trienestole (1933) Bienvenidos favorablemente por los críticos, Madre e Hijo se ocupa de un motivo recurrente de lo que Jean Cocteau había definido en el ensayo del mismo nombre de 1917, el período del regreso al orden, reinterpretando las sugerencias de la pintura neoclásica de Picasso de los años veinte en una composición calibrada y en la volumetría constante de las formas. Una madre capturada en un momento de juego junto con su hijo, se convierte aquí en el pretexto de una reflexión sobre la relación entre las figuras y el espacio, puntuada en la estricta yuxtaposición geométrica de los planos que desde el ambiente cerrado de la sala de estar, a través de la ventana abierta, conducen a la ciudad moderna, envuelta en una estufa. En este cuidadoso equilibrio se arreglan, dispersos en el suelo, la pelota y la vida muerta con jarra y tazón, además de una caña de colores, la misma ya mostrada en Drunken Gentleman (1916-17, colección privada), que evoca la temporada metafísica del artista en un sutil juego de referencias y citas. La joven, absorbida, con su mirada lejana y ausente, se inserta en un repertorio de figuras femeninas de compostura clásica y monumentalidad que Carrà comenzó a finales de los años veinte (Mujer que se seca, 1927, Milán, Galleria d’Arte Moderna) y continúa en la próxima década con el verano (1930, Milan Museo del Novecento), las Hijas del Pescador Comprometida a “reestablecer la relación de continuidad histórica y armonía entre el color y la forma que [su] generación ha encontrado roto en su ascenso” (C. Carrà, Autopresentazione, en II Quadrenniald d’Arte Nazionale, Roma 1935, p.335), el pintor actúa como intérprete de una modernidad fundada en el antiguo, sobre la tradición y, en particular, sobre los primitivos italianos a los que había dedicado su famoso misterio
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