Artista: Dame Barbara Hepworth
Fecha: 1949
Museo: British Council (London, United Kingdom)
Técnica: Escultura
Las formas que estamos creando no son abstractas, son absolutas. Naum Gabo, 1937Barbara Hepworth era un practicante de la talla directa, y resonar a través de la forma rítmica son varios ritmos: los del artista en el trabajo, de la obra en el espacio, y del contexto de su producción. Alan Wilkinson ha descrito la forma de la forma rítmica como una ‘derecha ascendente’. Tiene toda la gracia de la Ave de Brancusi en el espacio (1927), y sin embargo se extrae de la tierra, formada de tal manera que crear un vínculo espacial entre el lugar, la forma y el espíritu creativo interior del artista. Para Hepworth, la escultura fue la "proyección plástica del pensamiento", una manera de traducir ideas que sólo pueden expresarse mediante actos directos y espontáneos de compromiso con un material para llegar orgánicamente a algo completo y completo. Una vez terminada, el trabajo puede permanecer por sí mismo, su poder puesto en el hecho de que, como escribió en 1937, "no tiene presión sobre nada". Las primeras esculturas de Hepworth fueron en gran parte figurativas. Durante la década de 1930, habiendo visitado los estudios de Arp y Brancusi mientras que en París, y bajo la influencia de Nicholson, Moore, Gabo y otros miembros del grupo Unit One en Londres, su trabajo tomó un mayor nivel de abstracción. La figura humana fue reimaginada y tomada en nuevas direcciones explorando escala, equilibrio y forma natural. Wilkinson ha argumentado que ver el trabajo de Arp generó lo que se convertiría en para Hepworth "una obsesión de por vida – la identificación casi mística con la figura humana y el espíritu humano que habitaba el paisaje". En 1937, el crítico J. D. Bernal comparó su escultura con “los Menhires neolíticos que pasan por Cornwall y Brittany como memoriales de muertos olvidados por mucho tiempo” y cuyas piedras fueron perforadas para “abrigar un medio de egreso para el alma”. En 1939, por invitación del crítico Adrian Stokes, Hepworth dejó Londres para Carbis Bay, justo fuera de St Ives, viajando con su esposo, Ben Nicholson, y sus tres hijos. La zona debía desempeñar un papel clave en la obra de Hepworth, y posteriormente las esculturas se referían frecuentemente a sitios locales. Otro motivo recurrente en la escultura de Hepworth es el agujero. Es un gesto poderoso tanto de la creación como de la amputación que se puede ver como un acto decididamente femenino de empoderamiento. Es como un ojo que se ha aburrido a través de la madera, uniendo ambos lados del trabajo y dotándolo simultáneamente con asimetría, incisión y cohesión. Otra técnica, impulsada por las figuras de Moore de finales de la década de 1930, fue incorporar la cuerda. Obras como Pelagos (1946) y Wave (1943) son buenos ejemplos de esto, y también se puede ver desarrollado en esculturas de bronce posteriores como Winged Figure, que adorna el edificio John Lewis Partnership en Oxford Street, Londres, inaugurado en abril de 1963. El sentido de un equilibrio dinámico entre formas y asimetrías competidoras es crucial para Hepworth. Como afirma, “La asimetría se puede encontrar en la tensión, equilibrio, impacto vital interior con el espacio y en la escala”. Dentro de esta tensión se mantiene la ‘fuerza interna y energía’ entre ‘pensamiento y medio’, lo que da a la obra su presencia vital duradera.(c) Richard Parry 20091 Naum Gabo, ‘Sculpture and Construction in Space’, en J. L. Martin, Ben Nicholson y N. Gabo (eds.), Circle (Londres: Faber y Faber, 1937), 109.2 Alan G. Wilkinson, ‘Los años 30: Constructive Forms and Poetic Structure’, 114 en Penelope Curtis y Aworth 64, Barbara Hepworth Museum, ex ‘Los años 30’, 457 Ibíd., 62. = wilkinson 1930s8 Tate Collection, Londres.9 National Galleries of Scotland, Edimburgo.10 Hepworth, ‘Escultura’, 114.
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