Artista: João António Da Silva Palolo
Fecha: 1988
Tamaño: 89 x 232 cm
Museo: Culturgest - Fundação Caixa Geral de Depósitos (Lisboa, Portugal)
Técnica: Acrílico Sobre Lienzo
SKINDEEPIn los años noventa, la ciudad portuguesa de Évora fue un punto de encuentro para un grupo de artistas muy jóvenes que estaban muy conscientes del arte de su tiempo y buscaban nuevos caminos entre los muchos abiertos entre el arte pop y psicodélico, nuevas direcciones entre la figuración y la abstracción. Estos jóvenes artistas, que abren las puertas para una segunda generación compuesta por José Carvalho y José Conduto, fueron Joaquim Bravo, Álvaro Lapa y António Palolo. António Palolo comenzó su carrera muy temprano, a los dieciséis años, y celebró su primera exposición individual en la Galeria 111 en Lisboa en 1964 a los dieciocho años. Este aspecto precoces era muy común en los artistas de su generación: Fernando Calhau comenzó en dieciocho y Vítor Pomar a dieciséis. Las obras en los primeros años de Palolo ya mostraban atención sobre la estructura de la superficie en composiciones cercanas al pop – o más bien, a la versión del pop que conocía a través de la mediación de António Areal, a menudo en diálogos hipotéticos con Warhol o Rauschenberg. Sus dibujos eran la estructura lineal y plana, a menudo con la introducción de la caligrafía, que prefiguraba la dicotomía que su obra pictórica siempre tendría, implicando largos períodos de construcciones geométricas – que luego dieron paso a construcciones formales a gran escala, en reticules o campos de color – y luego otros, en los que la forma humana (o el cuerpo, en el sentido más amplio) era su tema. Al final sería el aspecto más geométrico que prevalecería en su obra en su conjunto, también porque se convertiría en el apoyo a una obra más sutil sobre el color, la transparencia y la epidermis del lienzo. Esta fue una rara conjugación en Portugal, donde son escasos los ejemplos de pintores coloristas sofisticados. Esa calidad de brillo en el color de la pintura en la última fase de su vida parece probar la tesis de Almada Negreiros de que un gran pintor sólo mejora con el tiempo. El trabajo de Palolo a finales de los años ochenta se remonta a las formas geométricas que habían estado presentes en los años sesenta, pero añaden gran vigor a ellos; se construyen hacia una sequedad progresiva, con una escala precisa y grande, manteniendo el diálogo con la historia de la pintura desde los años cincuenta, con los florecientes de Pollock, Agnes Martin o, en la zona final de su trabajo, de Sean Scully o Brice Marden. Sin embargo, este aspecto cultivado de su pintura nunca se permite hundirse en una mera web de citas porque la sensibilidad del trabajo cromático y el velour de la superficie (a través del acrílico que atraviesa una emulsión de silicio) hace que cada pintura sea un momento estéticamente preciso. António Palolo fue un pintor raro porque en su cita de trabajo y referencia son indiscernibles de la definición de una visión poética de la suya. Y eso no es una calidad teórica; es una práctica visible. Delfim Sardo
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