Artiste: Ben Nicholson Om
Taille: 800 x 545 cm
Musée: British Council (London, United Kingdom)
Technique: Sculpté
«C'est, vous pourriez dire, simplement une forme de toilette, un art de salle de bains antiseptique propre qui extrait de leurs fonctions la planche à éclaboussures et le bassin de toilettes et les met dormir et rêver ensemble dans un monde dont les objets sont interdits d'avoir des associations. Gordon Porteus, 1935 Les paroles du critique Gordon Porteus, écrit dans New English Weekly en 1935, résument avec l'élégante apologie des eaux usées entre les nouvelles formes d'art moderne qui percolaient à travers la Manche et sa réception en Grande-Bretagne. Pour Porteus, Nicholson se dirigeait vers l'abîme de l'absolu et une perspective désinfectée de la trace humaine. Nicholson était un membre éminent de l'Unité Un, un groupe de peintres, sculpteurs et architectes initialement dirigé par Paul Nash. Nash discerna qu'il y avait deux courants de pensée pour l'artiste contemporain: la «poursuite de la forme» et la «poursuite de l'âme». Cette délimitation capture quelque chose de la fracture qui existait entre des artistes comme Nicholson qui cherchaient la «Constructive» et ceux d'une persuasion surréaliste. Il est possible de voir cette division en termes d'une opposition apollonienne et dionysienne se cachant dans l'orbite de Hampstead, où beaucoup de ces artistes vivaient. Une autre préoccupation contemporaine mise en évidence par les mots Porteus est celle des possibilités de la santé et de la nourriture sociétale dans la nouvelle architecture moderne. Vers cette époque, de nombreux pionniers de l'architecture moderne, dont Erich Mendelsohn, Berthold Lubetkin et Walter Gropius, venaient en Grande-Bretagne, cherchant refuge contre les développements totalitaires à l'étranger. Leurs bâtiments, y compris le centre de santé Finsbury (1938), ont cherché à promouvoir les qualités sociales nourrissantes des espaces blancs propres et beaucoup de lumière et d'air naturels, à une époque où la vie urbaine pour une grande partie de la population consistait en une privation de taudis. Les artistes constructifs ont également cherché à créer des formes imprégnées du même esprit de pureté utopique par l'abstraction. Dans cette lumière, les « White Reliefs » (tous produits entre 1934 et 1937) étaient Nicholson, zénith. Ils représentaient un déplacement de la toile à la planche, et de sujet à objet, où l'objet devient l'incarnation d'une idée de perfection. Chacun est une tabula rasa, un microcosme de l'infini, qui « devrait être vu comme quelque chose comme un monde nouveau », comme Paul Nash l'a dit. Le blanc a une pureté et une dimension métaphysique, au-delà du lieu et de la temporalité, un sens du vide enceinte qui doit une dette à Malevitch. Sur un plan, ce geste pourrait sembler hors de portée avec les réalités qui ont cours sur les événements mondiaux, compte tenu de la dépression économique, du réarmement national et de la montée du fascisme en Europe. Et pourtant il est possible de voir ces œuvres comme des icônes d'espoir et de clarté : des moments de cohésion entrevus, hermétiquement scellés dans son cadre, placés au milieu de la confusion générale de l'époque. Comme Nicholson l'a dit lui-même: «Comme je le vois, la peinture et l'expérience religieuse sont la même chose, et ce que nous cherchons tous, c'est la compréhension et la réalisation de l'infini – un idéal qui est complet, sans commencement, sans fin et donc qui donne à toutes choses pour tous les temps. Porteus cité dans Jeremy Lewison (éd.), Ben Nicholson : Les années de l'expérience 1919–1939, exh. cat. (Cambridge, Kettle, Yard Gallery, 1983), 28.2 Ibid., 33.3 Nash cité dans Lewison (éd.), 24,4 Ibid., 33.5 Nicholson cité dans Lewison (ed.), 33
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