Mère et fils – (Carlo Carrà) ◄ Précédent Suivant ►

Artiste: Carlo Carrà

Taille: 110 x 80 cm

Musée: Fondazione Cariplo (Milan, Italy)

Technique: Huile Sur Toile

Datée en 1934, la peinture a été incluse dans l'exposition de décembre de l'année suivante à la Galleria del Milione à Milan, ainsi qu'un noyau substantiel de plus de quarante œuvres qui ont ponctué le parcours artistique du peintre depuis ses débuts futuristes (Woman au Balcon (Concurrence), 1912), à travers la saison métaphysique (Mannequins, 1917), jusqu'à la recherche novatrice entreprise depuis les années 20 (Swimmers, 1932). En relation étroite avec les expériences plus récentes menées dans le domaine de la peinture murale, plutôt, cette vaste toile avec une structure monumentale et un matériau pictural maigre, qui apparut aux critiques de l'époque, comme une tentative qui semble conduire à des peintures à l'huile aux expressions grandioses et aux contrastes lumineux qui sont spécifiques à la fresque, et qui est placé à une courte distance de la conclusion de la décoration de la Triennale V (1933) et de la signature du Manifeste de la peinture murale (1933), avec Mario Sironi, Massimo Campigli et Achille Funi. Accueilli favorablement par les critiques, Mère et Fils traite d'un motif récurrent de ce que Jean Cocteau avait défini dans l'essai du même nom de 1917, la période du retour à l'ordre, réinterprétant les suggestions de la peinture néoclassique de Picasso des années 20 dans une composition calibrée et dans la volumétrie constante des formes. Une mère capturée dans un moment de jeu avec son fils, devient ici le prétexte d'une réflexion sur la relation entre les figures et l'espace, ponctuée dans la stricte juxtaposition géométrique des avions qui de l'environnement fermé du salon, par la fenêtre ouverte, mènent à la ville moderne, enveloppée dans une brume étouffée. Dans cet équilibre soigné sont disposés, éparpillés sur le sol, la balle et la nature morte avec cruche et bol, en plus d'une canne colorée, le même déjà montré dans Drunken Gentleman (1916-17, collection privée), qui évoquent la saison métaphysique de l'artiste dans un jeu subtil de références et de citations. La jeune femme, absorbée, avec son regard lointain et absent, est insérée dans un répertoire de figures féminines de l'accommodement classique et de la monumentalité solennelle que Carrà a commencé à la fin des années 20 (Woman qui sèche elle-même, 1927, Milan, Galleria d.Arte Moderna) et continue dans la prochaine décennie avec l'été (1930, Milan Museo del Novecento), les Filles et Femme Fishermans sur la plage (1931, Trieste, Museo Rivoltella), dans un standoff avec les modèles anciens et avec les exemples les plus innovants de l'art contemporain, de Puvis de Chavannes à Paul Gauguin. Engagé à rétablir la relation de continuité historique et d'harmonie entre la couleur et la forme que [sa] génération a trouvé brisée à son ascension (C. Carrà, Autopresentazione, dans II Quadrennald d-Arte Nazionale, Rome 1935, p.335), le peintre agit comme interprète d'une modernité fondée sur l'antiquité, sur la tradition et, en particulier, sur les primitifs italiens auxquels il avait dédié ses célèbres écrits Parlata su Giotto et Paolo Uccello costruttore (1916), atteignant le plus haut des résultats à cette époque de la vie contemporaine chargée de magie et de mystère, enveloppé dans une atmosphère suspendue et intemporelle, de poésie délicate.