Forma ritmica – (Dame Barbara Hepworth) ◄ Precedente Successivo ►

Artista: Dame Barbara Hepworth

Data: 1949

Museo: British Council (London, United Kingdom)

Temi: Scultura

«Le forme che stiamo creando non sono astratte, sono assolute». Naum Gabo, 1937Barbara Hepworth era un praticante di intaglio diretto, e risuonare attraverso Rhythmic Form sono vari ritmi: quelli dell'artista al lavoro, del lavoro nello spazio e del contesto della sua produzione. Alan Wilkinson ha descritto la forma di Rhythmic Form come un “soaring upright”. Ha tutta la grazia dell'Uccello di Brancusi nello spazio (1927), eppure è cucito dalla terra, plasmato in modo tale da creare un legame spaziale tra luogo, forma e lo spirito creativo interiore dell'artista. Per Hepworth, la scultura era la “proiezione plastica del pensiero” – un modo di tradurre idee che possono essere espresse solo attraverso atti diretti e spontanei di impegno con un materiale per arrivare organicamente a qualcosa di intero e completo. Una volta finito, il lavoro può quindi stare da solo, il suo potere che sta nel fatto che, come ha scritto nel 1937, “non fa pressione su nulla”. Le prime sculture di Hepworth erano in gran parte figurative. Durante gli anni '30, dopo aver visitato gli studi di Arp e Brancusi mentre a Parigi, e sotto l'influenza di Nicholson, Moore, Gabo e altri membri del gruppo Unit One a Londra, il suo lavoro ha assunto un maggiore livello di astrazione. La figura umana è stata ri-immaginata e presa in nuove direzioni esplorando scala, poise e forma naturale. Wilkinson ha sostenuto che vedere il lavoro di Arp ha generato quello che doveva diventare per Hepworth 'una ossessione per tutta la vita - l'identificazione quasi mistica con la figura umana e lo spirito umano che abitano il paesaggio'. Nel 1937, la critica J. D. Bernal paragonava la sua scultura a ‘i Menhir neolitici che si distinguono per Cornovaglia e Bretagna come memoriali per morti a lungo dimenticati’ e le cui pietre furono trafitte in modo da ‘fornire un mezzo di egresso per l’anima’. Nel 1939, su invito della critica Adrian Stokes, Hepworth lasciò Londra per Carbis Bay, appena fuori St Ives, viaggiando con suo marito, Ben Nicholson, e i loro tre figli. L'area doveva svolgere un ruolo chiave nell'opera di Hepworth, e le sculture successive si riferivano frequentemente ai siti locali. Un altro motivo ricorrente nella scultura di Hepworth è il buco. È un gesto potente sia di creazione che di amputazione che può essere visto come un atto di empowerment femminile risolutamente. È come un occhio che si è annoiato proprio attraverso il legno, unendo entrambi i lati del lavoro e dotando contemporaneamente asimmetria, incisione e coesione. Un'altra tecnica, prima spinta dalle figure di Moore della fine degli anni '30, era quella di incorporare la stringa. Opere come Pelagos (1946) e Wave (1943) sono buoni esempi di questo, e può anche essere visto sviluppato in sculture in bronzo successive come Winged Figure, che adorna il John Lewis Partnership building su Oxford Street, Londra, inaugurato nell'aprile 1963. Il senso di un equilibrio dinamico tra forme e asimmetrie concorrenti è cruciale per Hepworth. Come afferma, ‘Asymmetry può essere trovato nella tensione, equilibrio, impatto vitale interno con lo spazio e nella scala.’ All’interno di questa tensione si tiene la “forza interiore e l’energia” tra “pensiero e medium”, che conferisce al lavoro la sua permanente presenza vitale.(c) Richard Parry 20091 Naum Gabo, 'Scultura e costruzione nello spazio', in J. L. Martin, Ben Nicholson e N. Gabo (eds.), Circle (Londra: Faber and Faber, 1937), 109.2 Alan G. Wilkinson Circle37, 'The 1930s: Constructive Forms and Poetic Structure', in Penelope Curtis e A. G. Wilkinson Gallery, Barbara Hepworth, 1994. 'The 1930s', 457 Ibid., 62. = wilkinson 1930s8 Tate Collection, Londra.9 Gallerie nazionali di Scozia, Edimburgo.10 Hepworth, 'Scultura', 114.